Le 15 funzionalità più importanti del teatro

il le più importanti caratteristiche del teatro sono strettamente correlati agli elementi comuni a qualsiasi lavoro o prestazione.

Il termine teatro ha le sue origini nella parola greca Theatron, che significa "luogo da guardare". Quindi, in origine, il teatro si riferiva sia a un luogo che a una particolare forma di percezione. Al giorno d'oggi, il concetto di teatro può riferirsi a: un edificio, un'attività ("andare a" o "fare" teatro), un'istituzione e una forma d'arte.

Il teatro è la branca dell'arte scenica legata alla rappresentazione e rappresentazione di storie di fronte a un pubblico dal vivo, utilizzando una combinazione di discorsi, gesti, scenografie, musica, suoni e spettacoli che cercano di stimolare ed eccitare lo spettatore.

Anche la mente ha un ruolo importante nel teatro, poiché questa espressione artistica è decifrata secondo la percezione e l'immaginazione dello spettatore.

Tutti i giochi hanno elementi comuni che caratterizzano questa arte. Successivamente, sarai in grado di vedere più in dettaglio le caratteristiche più importanti.

15 elementi caratteristici del teatro

1- Trama

È quello che succede nel lavoro. Si riferisce all'azione. L'organizzazione degli eventi o la selezione e l'ordine delle scene in un gioco. Secondo Aristotele, è un concetto astratto che si riferisce alla disposizione degli incidenti che costituiscono la materia prima e le componenti della storia.

La trama è il modo in cui questi incidenti sono strutturati in un insieme coerente. Se la disposizione dell'ordine originale viene modificata, verrà generato un nuovo frame. Nel teatro predominano due tipi di trama. Di seguito, le sue caratteristiche principali e gli elementi di differenziazione:

Schermo di risoluzione

• La trama inizia in ritardo nella storia, più vicina alla fine o al climax.
• Copre un breve lasso di tempo.
• Contiene alcune scene solide ed espanse.
• Si verifica in una località limitata, in una stanza o in una casa.
• Il numero di personaggi è severamente limitato.
• Ci sono alcuni frame secondari.
• La linea di azione procede in una catena di causa ed effetto. I personaggi e gli eventi sono strettamente collegati in una sequenza di sviluppo logico, quasi inevitabile.

Trama di Rivelazione

• La trama inizia relativamente presto nella storia e passa attraverso una serie di atti.
• Copre lunghi periodi di tempo.
• Molte scene brevi e frammentate o l'alternanza tra scene brevi e lunghe.
• Può coprire un'intera città o anche in diversi paesi.
• Abbondanza di personaggi.
• Spesso contrassegnati da diversi fili d'azione, diverse storie parallele.
• Le scene sono associate tra loro. Un evento può derivare da diverse cause, o nessuna causa apparente, ma sorge in una rete di circostanze.

2- Tema

Mentre la trama si riferisce all'azione del lavoro, il tema si riferisce al significato del lavoro. A volte, è chiaramente indicato nel titolo.

Altre volte può essere dichiarato attraverso il dialogo di un personaggio che agisce come la voce del drammaturgo. A volte, il soggetto è meno ovvio e sorge solo dopo aver analizzato il contenuto del lavoro.

3- Personaggi

Sono le persone, gli animali o le idee che sono rappresentati dagli attori nel lavoro. In termini strutturali, i personaggi sono gli agenti di azione, che forniscono le motivazioni per gli eventi che si verificano nella trama.

Ogni personaggio deve avere la propria personalità, età, aspetto, credenze, background socioeconomico e lingua. Secondo le loro funzioni nel lavoro possono essere delineati alcuni tipi di caratteri:

• protagonista: Il personaggio principale.
• antagonistico: Il principale avversario del protagonista.
• controparti: Rivela alcuni aspetti del protagonista avendo circostanze o comportamenti simili o diversi.

4- Script o testo

Questo è il punto di partenza della rappresentazione teatrale. È il testo con cui viene creata la riproduzione. Consiste in dialoghi, indicazioni di scena, descrizioni dei personaggi e simili in una rappresentazione teatrale. Si riferisce alle parole scritte dal drammaturgo e interpretate dai personaggi.

5- genere

Classe distintiva del lavoro. Il genere deriva da una parola francese che significa "categoria" o "tipo". La scelta del genere riflette il punto di vista dello scrittore sull'argomento.

Nel teatro vengono solitamente rappresentati i seguenti tipi di opere: tragedia, commedia, melodramma e tragicommedia. Ognuno di questi generi può essere ulteriormente suddiviso per stile e contenuto in:

tragedia

È un'imitazione di un'azione seria, complessa e rilevante. La tragedia è grave per natura nella sua materia e affronta problemi profondi. Questi problemi profondi sono universali e suscitano compassione e paura nel pubblico assistendo all'azione.

commedia

Ha la visione di far ridere il pubblico, di solito è fisico ed energico. Il comportamento dei personaggi presentati è ridicolo e talvolta assurdo. Stimola nel pubblico una correzione del comportamento della società.

melodramma

È il dramma del disastro, le circostanze al di fuori del controllo del protagonista causano gli eventi significativi della trama. Gli aspetti della colpa e della responsabilità del protagonista sono eliminati.

Il protagonista è una vittima delle circostanze. Il melodramma ha uno stretto senso di giudizio morale. Tutti gli argomenti presentati sono risolti in un modo ben definito. I buoni personaggi vengono premiati e i personaggi cattivi vengono puniti.

tragicommedia

È un riflesso della vita stessa, contiene tutti i generi precedenti. Non ha intenzione di giudicare, né di esprimere giudizi assoluti. Si concentra sulle relazioni di carattere e mostra la società in uno stato di flusso continuo.

6- Costumi e trucco

Sono elementi che servono a caratterizzare gli attori quando ricreano un personaggio.

guardaroba

Si riferisce ai vestiti e agli accessori usati sul palco da un attore o un esecutore. Gli antichi greci furono i pionieri nello sviluppo di costumi specifici per ogni personaggio, quest'arte servì a far rivivere l'era medievale e rappresentare grandi marchesi di corte.

trucco

È l'uso dei cosmetici nell'alterare l'aspetto fisico di un attore in modo che il suo aspetto si adatti a un certo ruolo o compensi gli effetti dell'illuminazione scenica.

L'arte del trucco è stata rivoluzionata dall'introduzione dell'illuminazione elettrica e del gas e ora è diventata una pratica altamente tecnica.

7- Illuminazione ed effetti sonori

Il posizionamento, l'intensità e il colore delle luci, così come gli effetti sonori, aiutano il regista a comunicare l'atmosfera, l'atmosfera o il sentimento di una scena.

L'illuminazione è stata riconosciuta come una caratteristica importante della produzione teatrale quando le esibizioni al chiuso sono state fatte durante il Rinascimento, coinvolgendo l'uso di candele e liquidi infiammabili.

Le innovazioni cruciali nella tecnologia dell'illuminazione includevano l'introduzione di lampade da terra, l'uso di riflettori per aumentare l'intensità dei fasci di luce e l'oscuramento delle luci nell'auditorium nel 1876.

Lo sviluppo dell'illuminazione a gas all'inizio del XIX secolo rappresentò un progresso importante nonostante i pericoli insiti. L'uso dell'illuminazione elettrica iniziò al California Theatre di San Francisco nel 1879.

Attualmente i sistemi di illuminazione dei teatri moderni sono controllati da schede computerizzate altamente sofisticate, che possono coordinare l'illuminazione di un intero sistema. Altre recenti innovazioni hanno incluso esperimenti con luce ultravioletta, laser e olografia.

Gli effetti sonori sono i rumori che vengono generati per accompagnare una scena di un'opera teatrale, che può essere prodotta da computer o da attori dentro e fuori dal palco.

8- Direttore

È la persona responsabile della totale unità di produzione e di coordinare gli sforzi degli artisti. Il lavoro del regista è fondamentale per la produzione di un'opera teatrale, poiché è il regista che stabilisce la visione della produzione per tutti i soggetti coinvolti.

Il regista ha il difficile compito di assemblare molti pezzi complessi di una produzione: la sceneggiatura, gli attori, i costumi, l'illuminazione, il suono e la musica in un insieme unificato. Per svolgere questo compito, un regista ha bisogno di:

• Interpreta la sceneggiatura
• Collabora con i designer.
• Pianifica le prove.
• Guida gli attori nel loro lavoro durante le prove.

Il lavoro del regista è spesso basato su uno studio dettagliato e un'analisi della sceneggiatura che è l'oggetto del montaggio. Molte letture accurate della sceneggiatura aiutano il regista a sviluppare una visione individuale delle intenzioni del drammaturgo. La tua percezione influenzerà qualsiasi aspetto della produzione.

I registi studiano anche i personaggi nella sceneggiatura, raccogliendo quante più informazioni possibili sui loro tratti fisici e psicologici, che è vitale per la selezione del cast.

9- Pubblico

Gruppo di persone che vedono il lavoro. Molti drammaturghi e attori ritengono che il pubblico sia l'elemento più importante del teatro, poiché tutto lo sforzo per scrivere e produrre un'opera teatrale è per il divertimento del pubblico.

Perché nel teatro gli interpreti sono in presenza diretta con il pubblico viene generato un flusso circolare di energia, l'attore colpisce il pubblico e viceversa. Questo effetto è amplificato dal fatto che il teatro è un evento comune.

L'esperienza di gruppo è indispensabile, poiché il gruppo rafforza le emozioni vissute dall'individuo e crea una coscienza collettiva. Quando un gruppo di individui risponde in modo simile a ciò che accade sul palco, la loro relazione con gli altri viene riaffermata e rafforzata.

Il grado di separazione tra il cast e il pubblico è ciò che differenzia il teatro convenzionale dal teatro partecipativo.

Nel primo, il pubblico usa la propria immaginazione per partecipare all'opera mentre si separa dall'azione. Nel secondo, gli attori interagiscono con il pubblico cercando di seguire un copione stabilito e improvvisato, sottolineando lo sviluppo personale o la terapia collettiva.

Nel teatro, un pubblico è invitato ad accettare molti tipi di mondi immaginari. Un modo per differenziare questi regni immaginari è dividerli in quello che viene definito teatro realistico e non realistico.

Il realismo, diventato la forma dominante del teatro europeo alla fine del diciannovesimo secolo, cerca di ricreare la vita così da vicino che il pubblico presume che debba essere la vita. Il non-realismo, d'altra parte, cerca di trascendere la realtà osservata e presentare la parte della vita che esiste nella mente.

Tuttavia, è un errore supporre che questi due approcci si escludano a vicenda. La maggior parte delle rappresentazioni teatrali contengono una combinazione di elementi realistici e non realistici.

10- Scenografia

Serve a ricreare l'ambiente in cui viene sviluppata la trama, il set ha i seguenti obiettivi:

• Imposta il tono e lo stile della produzione.
• Imposta l'ora e il luogo.
• Distingue il realismo dal non realismo.
• Coordinare il paesaggio con altri elementi.
• Affrontare i limiti dello spazio scenico e dell'area fuori scena.

Tutti questi obiettivi sono affrontati in più incontri tra il regista, lo scenografo e il team di progettazione. Più tardi le idee si riflettono negli schizzi, che dopo revisioni, analisi e modifiche permettono di concepire la scenografia che meglio si adatta alla storia e alla visione dei creativi.

Una volta finita questa fase, i progetti vengono consegnati a un direttore tecnico, che esegue le necessarie costruzioni, regolazioni e installazioni nello scenario per la materializzazione del progetto.

11- Scenario

Sono attrezzature teatrali, come tende, pavimenti, sfondi o piattaforme, che vengono utilizzate in una produzione drammatica.

12- Apparecchio

Ci sono diverse categorie di oggetti di scena. Molti degli oggetti di scena vengono dalla sceneggiatura e sono elementi richiesti dal regista. Lo scenografo di solito richiede anche oggetti di scena come i mobili che appaiono sulla scena, a volte c'è una sottile linea di demarcazione tra questo tipo di oggetti di scena e la scenografia.

L'elica è qualsiasi oggetto mobile che appare durante un'esibizione, tranne i costumi e il palcoscenico. Sono articoli manipolati da uno o più attori. Un libro, una pistola, un bicchiere di vino, tra gli altri.

13- Atti

Rappresentano un'importante divisione nello sviluppo del lavoro teatrale. La maggior parte delle commedie dell'era elisabettiana fino al XIX secolo erano divise in cinque atti da drammaturghi o da editori successivi.

Alla fine del 19 ° secolo, molti scrittori iniziarono a scrivere opere di quattro atti. Oggi, uno, due e tre atti sono i giochi più comuni.

14- Teatri (Edificio)

È lo spazio in cui gli attori o il pubblico si incontrano. È essenziale avere un'area in cui l'artista o l'esecutore comunichi con un pubblico vivo.

Gli edifici teatrali si sono evoluti dagli anfiteatri all'aperto dei Greci e dei Romani, all'incredibile varietà di forme che vediamo oggi. È uno spazio che supporta lo scambio emotivo tra il cast e il pubblico.

15- Convenzione

Una convenzione teatrale è uno strumento pratico utilizzato dal drammaturgo o regista per aiutare a raccontare la storia della commedia teatrale. La convenzione teatrale più comune è quella dei personaggi che parlano tra loro e fanno finta di non notare il pubblico.

Spesso definita come la quarta parete o la quarta convenzione sullo schermo, viene simulata l'esistenza di una divisione (invisibile) tra gli attori e il pubblico.

Origini e evoluzione storica del teatro

Quando il teatro è iniziato è esattamente un mistero. I cacciatori preistorici hanno rappresentato storie sulle loro spedizioni di caccia. Gli antichi egizi eseguivano canti sacri e danzarono per i loro dei nelle cerimonie religiose. Ma l'idea del teatro come intrattenimento drammatico venne dopo.

È noto che le parole inglesi per tragedia e commedia provengono dalla lingua degli antichi greci. Sebbene i greci non fossero i primi a recitare commedie, erano molto interessati alle origini della tragedia e della commedia.

Nei suoi scritti, il filosofo Aristotele e altri scrittori greci propongono teorie e formulano ipotesi su come si sia sviluppata la forma dell'arte teatrale.

Opere greche sono state eseguite in teatri all'aperto. All'inizio, i teatri erano in aree aperte situate nel centro della città o vicino alle colline. Il pubblico si stava preparando ad ascoltare e guardare il coro cantare delle avventure di un dio o di un eroe.

Verso la fine del VI secolo a. C., le strutture teatrali sono diventate più elaborate. Mentre il teatro diventava sempre più popolare e competitivo tra le città, i teatri si ingrandivano con strutture in grado di ospitare fino a 15.000 persone alla volta.

Il teatro esiste da quando le persone si sono incontrate per la prima volta per sentire qualcun altro raccontare una storia. Amici e parenti hanno condiviso le responsabilità del pubblico e dell'interprete, scambiandosi ruoli purché qualcuno avesse una storia da condividere.

Il teatro moderno può essere più formale, con attori addestrati a ricreare una storia e spettatori sofisticati che reagiscono a una messa in scena, ma l'idea di condividere le energie tra il cast e un pubblico dal vivo rimane invariata.

riferimenti

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