Virtualità teatrale in ciò che consiste e elementi

il virtualità teatrale è la capacità intrinseca che ogni testo drammatico deve essere rappresentato sul palcoscenico, cioè diventare un gioco. Precisamente, questa è una delle caratteristiche principali che contraddistinguono il genere letterario drammatico della narrativa (romanzi, storie, leggende, favole) e il testo (odi, elegie, ecloghe).

In questo senso, la nozione di virtualità teatrale è legata ai concetti di testo drammatico e testo teatrale. A questo punto, è conveniente rivedere l'origine etimologica delle parole dramma e teatro. Il primo viene dal greco Dran, che traduce "do" o "act", e il secondo deriva da Theatron, Greco significa anche "luogo da vedere".

Così, i drammaturghi concepiscono le loro opere per essere rappresentate. Pertanto, i loro testi contengono indicazioni molto ricche, anche se generali, su come dovrebbero essere messe in scena. Ciò consente di presentare due livelli con diversi gradi di stabilità: il testo manifestato verbalmente (più o meno stabile) e il componente scenico (variabile).

Per quanto riguarda il testo teatrale, ha un rapporto più stretto con la produzione e la recitazione. La virtualità teatrale si materializza in questi spazi. Nella messa in scena ci sono elementi che sono esplicitamente richiesti dal testo letterario, o chiaramente implicati da esso. Ma ci sono anche elementi aggiunti dalla produzione.

indice

• 1 Qual è la virtualità teatrale?
• 2 elementi
  • 2.1 Atto
  • 2.2 Scena
  • 2.3 Immagini
  • 2.4 Annotazione
  • 2.5 A parte
• 3 riferimenti

Qual è la virtualità teatrale?

Forse, uno degli elementi del dramma in cui puoi meglio apprezzare ciò che la virtualità teatrale è nelle istruzioni o nelle istruzioni sul palco. Tradizionalmente, il drammaturgo li scrive per informare i lettori sui vari dettagli della messa in scena del suo lavoro.

Tra questi ci sono il periodo di tempo, le considerazioni stabilite, i requisiti di produzione, gli ingressi e le uscite, l'azione scenica e le interpretazioni delle linee.

In alcuni casi, forniscono anche informazioni riguardanti lo stile e il tono del lavoro. Inoltre, offrono guida e ispirazione per il team creativo.

D'altra parte, va notato che questi non sono stati scritti per essere pronunciati ad alta voce in una produzione completa. Queste istruzioni hanno un diverso formato di dialogo e, sebbene non vi siano regole uniformi, di solito sono scritte in corsivo e spesso tra parentesi.

elementi

Ci sono diversi elementi tecnici che contribuiscono alla virtualità teatrale. In gran parte, questi elementi determinano le possibilità di un testo drammatico di diventare un testo teatrale. Successivamente, alcuni di essi saranno descritti.

atto

Un atto è la parte del lavoro che si svolge tra le interruzioni. È la divisione più grande del tuo script e consiste in un gruppo unificato di attività. L'atto contiene divisioni più piccole, come immagini e scene.

Ora, i lavori moderni a lungo termine hanno due o tre atti. La struttura in due atti è più popolare perché un'interruzione minore consente al drammaturgo di rendere l'azione più intensa.

Precedentemente, la forma di cinque atti era lo standard, ma è già superata. La struttura di quattro atti non si è mai materializzata.

scena

Le scene sono segmenti tradizionali in testi drammatici e servono diverse funzioni. Questi possono indicare cambiamenti nel tempo, cambiamenti di posizione, salti da una sottotrama a un'altra, introduzione di nuovi personaggi e riorganizzazione degli attori sul palco.

D'altra parte, le scene non hanno una durata prestabilita. Questi possono durare alcuni minuti o, addirittura, l'intero atto. Nei drammi contemporanei è normale che il cambiamento tra le scene sia visivamente indicato, di solito apportando modifiche all'illuminazione. Ma questi possono anche essere differenziati dall'input e dall'output degli attori.

immagini

Le immagini sono grandi sequenze all'interno delle strutture drammatiche. La sua superficie è molto più vasta e i suoi contorni più imprecisi di quelli delle scene.

Questi sono legati a importanti cambiamenti nello spazio, nell'ambiente o nel tempo. Di regola Significano grandi cambiamenti nello scenario.

didascalie

Le dimensioni descrivono i dettagli della messa in scena dell'opera. Tra gli altri, indicano agli attori dove sedersi, stare in piedi, muoversi, entrare e uscire.

Inoltre, possono essere usati per dire a un attore come modellare la propria performance. Queste note possono descrivere come il personaggio si comporta fisicamente o mentalmente e sono usati dal drammaturgo per guidare il tono emotivo del gioco. Alcuni script contengono anche note sull'illuminazione, la musica e gli effetti sonori.

In questo senso, i drammaturghi affrontano queste dimensioni in diversi modi. Alcuni descrivono le istruzioni dello scenario in grande dettaglio. Altri scrittori si concentrano maggiormente sull'azione scenica.

Alcuni drammaturghi specificano come alcune linee dovrebbero essere interpretate mettendo un avverbio davanti a una linea di dialogo, come "di soppiatto".

Allo stesso modo, alcune di queste istruzioni possono essere fittizie, poetiche o non convenzionali. Quando questo è il caso, possono rappresentare grandi sfide per la lettura.

Storicamente, le istruzioni di scena negli script pubblicati sono state prese dal libro delle indicazioni del manager di scena. Attualmente, la quantità, il contenuto, lo stile e il formato delle opere pubblicate sono prerogativa dei drammaturghi, con contributi occasionali da parte del redattore.

Apartes

Le sezioni sono gli interventi dei personaggi ad alta voce e davanti al pubblico, ma non sono "ascoltati" dagli altri attori.

Evidenziando il pensiero di questi personaggi, essi assolvono la funzione di scoprire le loro vere intenzioni. Inoltre, servono affinché lo spettatore instauri una certa complicità con gli attori.

riferimenti

1. Ferris, L. (2017). The Art of the Now: Introduzione al teatro e alla performance. Ohio: Dipartimento di Teatro dell'Ohio State University
2. Villegas, J. (2005). Storia multiculturale di teatro e teatralità in America Latina. Buenos Aires: editoriale di Galerna.
3. Culpeper, J.; Short, M. and Verdonk, P. (editors) (2002) ... Esplorando il linguaggio del dramma: dal testo al contesto. Londra: Routledge.
4. Pfister, M. (1991). Teoria e analisi del dramma. New York: Cambridge University Press.
5. Urbinati R. (2016). Leggi le letture: una guida completa per i professionisti del teatro. Burlington: Focal Press.
6. Catron, L. E. e Bert, N. A. (2017). Gli elementi di Playwriting. Illinois: Waveland Press.
7. Garcia del Toro, A. (2011). Teatralità: come e perché insegnare testi drammatici. Barcellona: Grao.
8. Del Moral, R. (2014). Retorica: introduzione alle arti letterarie. Madrid: Verbum editoriale.